• Santiago Samaniego

Ensayo: "Hasta que llegó su hora" de Sergio Leone

Actualizado: 7 de ene de 2019


HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (Sergio Leone, 1969) es un homenaje épico a los Westerns de Hollywood. Los clásicos Westerns americanos fueron un gran éxito popular en todo el mundo pero especialmente en Europa, donde sobretodo se popularizaron gracias a la televisión. Sin embargo, durante algunos años las películas americanas fueron prohibidas en varios países europeos. Por esta razón los productores europeos, sabiendo que el lejano oeste americano era una inversión segura, comenzaron a producir sus propios Westerns. Como resultado, nació el término "espagueti western", en referencia especialmente a las producciones italianas. El estilo de estas películas estaban claramente influenciado por un popular filme americano de John Strurges, Los siete magníficos (1960), que al mismo tiempo era un remake de la película japonesa Los siete samurais (Akira Kurosawa, 1954). La definición de "espagueti western" en un diccionario de cine es "películas violentas del oeste americano protagonizadas por actores americanos y producidas sobretodo en Italia. Solían estar rodadas en Yugoslavia o España. Sergio Leone era el maestro artífice de este subgénero."  Sin duda alguna, la figura de Leone es el ídolo dorado del espagueti western. De hecho Hasta que llegó la hora es la capilla sixtina del western postmoderno, donde el director italiano representa todas los convencionalismos del género en una pieza de artesanía cinemática manierísticamente estilizada.



El ensayista Robert Warshow(1) hubiera estado de acuerdo en que Hasta que le llegó la hora juega con los ya establecidos tesoros del género. Por ejemplo, todos los personajes masculinos en la película de Leone caben en la definición de Warshow de anti heroe/forastero del western, e incluso lo lleva a extremos de ambigüedad en todas sus representaciones. Sin embargo, esta definición podría ser extendida con cada personaje principal de la película. Tomo el título de otra película de Leone, El bueno el feo y el malo, para definir los papeles principales masculinos.


 "El bueno", Charles Bronson como el "hombre sin nombre" o "armónica" es el único que realmente conoce conscientemente el tipo de mundo que habita. Él sabe que el mundo vomita maldad, pero su capacidad está lejos de poder destruir esa maldad. Él está más interesado es vivir acorde a un cierto estilo, demostrando a los demás que sabe como vivir. De alguna manera casi se ha convertido en un sobreviviente místico. La única cosa que parece conmoverle hacía la emoción es la amenaza al vínculo familiar. El odio de Bronson por Fonda proviene del asesinato de su hermano por Fonda.


"El malo", Henry Fonda, es en muchas maneras similar al "hombre sin nombre". Pero su bondad o maldad no está definida por la moralidad tradicional. Se encuentra por encima de la ley moral. Aparenta tener todas la habilidades y estilo que "El bueno", pero es totalmente inmoral, siempre dispuesto a servir por dinero pero reteniendo su dignidad mientras lo hace. Mata a toda una familia, e incluso a un niño, solo porque ha oído pronunciar su nombre. E incluso su respuesta sexual, la violación-seducción sádica de Claudia Cardinale es fría. Necesita sentir la corrupción corroyéndole las entrañas más que satisfacer su deseo. Tanto "el bueno" como "el malo" se respetan mutuamente pero también saben muy bien que sus estilos de vida les llevarán a eventualmente a tirotearse mutuamente en un combate de moralidad basado en terminos de postura simbólica de "bueno" contra "malo".


(La poesía crepuscular del espagueti wester. Henry Fonda, el malo, un personaje sin piedad)


"El feo" es Cheyenne, el personaje interpretado por Jason Robards. Al contrario él es hiperhumano porque es capaz de demostrar gran afecto, gran odio y violencia. Es muy abierto, directo, demuestra simplicidad y mucho sentido del humor. Sin embargo no tiene estilo y mira a la vida de una manera más complicada que los otros dos personajes. Es el más sensato y sus crímenes son vistos por el público de manera favorable. Además la distancia emocional de Armónica es penetrada por la honesta personalidad de Cheyenne, y Bronson claramente termina por respetar a Robards llegándole a honrar en su último deseo de una muerte solitaria y digna. Esta muerte sugiere que incluso las cualidades masculinas son intangibles y temporales. Cada personaje masculino de la película se ajusta a la ambigüedad moral de todos los westerns clásicos, sin embargom aquí hasta los personajes femeninos encajan en esta ambigüedad.


Finalmente tenemos a Jill, el personaje interpretado por Claudia Cardinale. Siguiendo la definición que da Warshow del papel de la mujer en el western, el personaje femenino en Hasta que llegó su hora podría ser calificado de inusual a las características del género. Quizás la razón de esto sea porque en la época que este filme fue hecho la sociedad estaba cambiando drásticamente como consecuencia de la Guerra Fría, el movimiento feminista y todo lo que vino antes de eso. De alguna manera la femme fatale del cine negro está retratada aquí dentro de las convenciones del género western. Si en el western clásico había solo dos tipos de mujeres, la dama pasiva y la prostituta, ambas siendo irrelevantes, Cardinale es una mezcla de ambas. Ella viene del Este (Nueva Orleans) y representa el choque de culturas y la llegada del capitalismo con la civilización (sin duda Leone tiene una actitud Marxista). Por eso los otros tres personajes prefieren alejarse de ella, por lo que ella representa. El éxito del anti-heroe depende de su habilidad de moverse más allá de los límites de la familia y la comunidad. Estos forajidos no odian la civilización pero tampoco les gusta. El avance de la civilización es lo que fuerza al occidental a progresar. Frank quiere morir porque no hay nada que hacer. Tiene que haber un duelo porque él es el producto de un tiempo que está llegando a su fin. No tiene lugar en el futuro. Esta película es sobre el conflicto entre dos mundos diferentes. El último plano de la película representa todo este concepto muy bien y nos da el verdadero significado del filme, la melancolía por el mundo viejo y primitivo donde todo se basaba en conceptos básicos y simples de la vida, la nostalgia por la pérdida de la frontera. La visión final de Jill (video más abajo) como el centro ideológico e incluso doméstico de la nueva ciudad nos trae la idea de familia y negocio en una nueva comunidad. Una nueva institución tiene que ser creada. El western clásico está siendo remplazado por nuevos géneros modernos. Esto es también una referencia al propio Leone, ya que planteó esta película como su último western.


(Esta escena resume muy bien la amenaza a la existencia del western por la expansión capitalista que representa la llegada del tren.) 


La linea argumental no es muy importante en el resultado final. Si solo describimos el argumento quizás suene muy dramático, e incluso el filme resulta muy dramático si se ve con mirada inocente. El título original "Once Upon a Time in the West" (Era sé una vez el Oeste) nos recuerda a un cuento de hadas, y eso es lo que es, un cuento de hadas sobre el mito del Oeste. Utiliza las estrategias del melodrama y su iconografía. El uso de primeros planos del rostro y secuencias dramáticas como cuando Jill y otros afligidos contemplan los cadáveres de los McBains o otras formas de violencia a lo largo del filme. Sin embargo, la película mezcla lo melodramático y lo cómico. El abundante afecto y el melodrama coexiste con la comedia, pero la comedia no inunda al melodrama. Los convencionalismos del Western llegan a un punto de manierismo que resulta la mayoría de las veces cómico. Los movimientos de los actores, el diálogo con el uso de gags, y el uso particular del estilo cinemático que enfatiza el movimiento corporal y los gestos -muchos de los primeros planos tienen un uso irónico- haciendo de la película una singular parodia del género. El especial uso del sonido y de la música en diferentes secuencias es también cómico. Algunas veces la música realza el melodrama pero dirige su propósito hacia recalcar el drama sobre el anti-melodrama. Se podría decir que Hasta que llegó su hora es una pesadilla cómica sobre la existencia.

La manera que le película trata la violencia es muy importante para su estilo cinemático. Es un western muy violento, sin embargo, hay muy pocas muertes prolongadas y muy poca sangre. Los temas básicos que motivan a los personajes son la avaricia, el asesinato y la venganza, y estos motivos son tratados con una violencia barroca. Armónica, Cheyenne y Frank se empiezan a dar cuenta que su manera violenta de vivir fuera de la ley está llegando a un fin. Para sobrevivir en la nueva comunidad de Sweetwater tendrían que adaptarse a un nuevo tipo de violencia que actúa en el interés del capitalismo. El alto nivel de violencia presente algunas veces a lo largo del filme podría ser visto como influencia de otros géneros como el cine de samurais, el de gansters o el cine negro. Es importante también destacar de nuevo dos términos que fueron mencionados anteriormente, el motivo de la venganza y la institucionalización de la violencia y la corrupción. Estos conceptos siempre han estado unidos a la sociedad italiana y esa es la razón por la que están presentes en la película. La visión del mundo italiana es más cínica con la gente, sus motivaciones y sus capacidades y Leone representa esto a través de la violencia.

El filme cuenta con un seco y polvoriento paisaje desértico que representa "el Oeste" (de hecho la mayoría de exteriores fueron rodados en Almería y Granada y lo interiores en Roma). Este paisaje provee un ruedo de espacio abierto para la acción donde Leone, como ya hicieron Ford y Hawks, es capaz de explorar su propia visión de la vida, una visión cómica, grotesca y surreal. Es también importante el contraste entre espacio público abierto y el espacio doméstico cerrado. La imagen de Sweetwater da una sensación de suciedad y pobreza que encaja en la relación entre los personajes y el entorno. El gran espacio aislado entre pueblos y la relativa amplia distancia que hay cuando dos personajes en conflicto aparecen juntos en una habitación son reglas de composición con gran significado al estilo.

Robert Warshow hubiera criticado la gran preocupación estilística en Hasta que le llegó la hora. Sergio Leone está tan interesado en el mundo visual del Oeste que su trabajo tan estilizado quizás destruya la pureza del género mismo. Pero sin duda el manierismo en el estilo visual es la característica más importante de los filmes de Leone. para empezar la fotografía de la película es excepcional. El abundante uso de primeros planos es a menudo extremo mostrando generalmente solo una parte concreta del rostro, como los ojos de uno de los personajes. Estos planos revelan los sentimientos de los personajes si es que realmente sienten algo. Unos personajes que raramente definen sus acciones en palabras. Casi parece que todo está pasando al azar, como si estuvieran observando con curiosidad las reacciones de la gente a través del rabillo del ojo. El poco diálogo que hay podría ser eliminado del filme y aun así seguiríamos percibiendo las obsesivas inquietudes de los personajes. El impacto visual del agua goteando sobre el sombrero de uno de los bandoleros o la reacción molesta de otro hacia la presencia de una mosca resultan incluso de mayor importancia para Leone que el duelo con pistolas que ocurre al final del filme. Es en la secuencia de los créditos iniciales cuando Leone señala el hecho de que su intención es destruir la noción del western tradicional de Hollywood. Se puede sentir el azote del ardiente sol, saborear el polvo y oler el sudor de los caballos y los personajes. La película comienza con un duelo con pistolas en una estación de ferrocarril rodado en panorama de bajo ángulo y apuntando hacia la sicología del baldío páramo típico del western. 


(Parte de la secuencia de lo títulos de crédito) 


El filme termina después de otro tiroteo cerca de una linea de tren aun en construcción con un último plano en alto ángulo y en panorama mostrando la historia en expansión del Oeste. El movimiento de cámara gira, se inclina e incluso el uso de cámara al hombro da una sensación  de un oeste lleno de energía y movimiento.


(escena final, la llegada del tren representa el final de una época basada en nuevas estructuras y reglas)

El montaje del film es melódico y está caracterizado también por una orquestación circular del espacio en la pantalla. La cualidad de la música es pareja con la increíble dirección y los movimientos de cámara que trepan, descienden y zoomean abundantemente. También la repelente utilización de los efectos de sonido, como el ruido de las ruedas, el chirriante sonido de los trenes, el zumbeo de las moscas y grillos se fusiona con la música (sobretodo con la armónica) y algunas veces es difícil discernir que sonidos con naturales y digéticos o artificiales y no digéticos. Todas estas características crean una atmósfera seca y tensa que definen el trabajo sumamente estilizado de Sergio Leone.

En resumidas cuentas, Leone no está interesado en la realidad en absoluto sino con el estilo visual para introducir al espectador en míticas exploraciones estéticas del intento humano de encontrar significado en la vida, utilizando a sus personajes principales como polos en conflicto de cada uno de nosotros. 



(1). Robert Warshow (1917-1955) fue un autor y ensayista esencial para la teoría del cine de género (en espacial el cine de gangsters y el western). Su ensayo datado de 1954 The Westerner es esencial para entender el género western. Desconozco si hay traducción al castellano de este ensayo. Si no la encontráis me podéis pedir una copia en inglés.

BIBLIOGRAFÍA

- Warshow, Robert; MOVIE CHRONICLE: The Westerner (1954). Recopilado en THE WESTERN READER, editado por Limelight Edition (1999)

- Landy, Marcia; HE WENT THATAWAY: The Form and Style of Leone's Italian Westerns (1996). Recopilado en THE WESTERN READER, editado por Limelight Edition (1999)

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